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Clotilde

Y ahí de pie junto a la pared, estaba ella en una pose aparentemente inocente, pero no del todo, elegantemente vestida con el último grito de la moda parisina, con una sonrisa conocedora y un brillo travieso en los ojos.

Ahí estaba, la musa perfecta, la amante apasionada, la madre cariñosa, la niña divertida, en definitiva la mujer de la que Sorolla llevaba enamorado desde los 15 años.

Un pintor conocido por utilizar colores vibrantes y grandes contrastes en sus obras, y sin embargo en está, toda la escena queda en segundo plano; ni tonos vibrantes, ni objetos llamativos solo está clotilde ella, y nada más.

clotilde con traje gris

Clotilde vestido azul

Amores,

el año pasado fui a la exposición Sorolla en blanco y negro, y entre todos los cuadros allí expuestos, me llamó muchísimo la atención la  imagen tan sencilla y a la vez tan llena de sentimiento como fue Clotilde vestida de azul.

Tal fue la impresión que quise saber más sobre la musa de este artista, curiosamente, la pareja se conoció a través Juan Antonio García castillo el hermano de Clotilde, cuando está tenía 15 años.

Y durante los cuarenta y cinco años, mes arriba mes abajo, en los que compartieron su vida, Clota como le gustaba llamar la Sorolla cariñosamente, fue un apoyo constante para el pintor, tanto en su vida familiar como profesional.

Pues era Clotilde quien se encargaba de la economía del hogar, del cuidado de la familia y de organizar los proyectos trabajos y exposiciones de su marido y también fue su modelo  a veces anónima como en el cuadro desnudo de mujer otras no tanto como en el cuadro clotilde vestida de azul.

A pesar de la ambivalencia que sentía por las obras de su marido ya que le quitaban  el tiempo que podían  estar el uno con el otro,  no podía negar la genialidad de sus obras como le dice en una de sus muchas cartas

Realmente es un rival terrible pues no te expondrías por mí lo que por la dichosa pintura te has expuesto,siendo lo más gracioso que no puedo ni debo quejarme sino desear que mientras vivas no pierdas esa ilusión, que es para ti el todo en este mundo.” Clotilde a Sorolla, Madrid, 27 de noviembre de 1918.– archivo del museo Sorolla

Y era en  esas cartas, las  que acortaban la distancia cuando  matrimonio tenía que pasar largos periodos de tiempo separados, bien por los trabajos o exposiciones que mantenían a Sorolla en el extranjero, o bien por las obligaciones de Clotilde para con sus hijos, cuando estaban enfermos.; en ellas hablaban de su día a día de su trabajo, de su familia casi siempre había palabra para sus hijos, pero sobre todo  escribían de lo mucho que se extrañaban.

Dejando  entrever muchos de los rasgos y del  carácter de este matrimonio tan famoso y a la vez tan discreto, mostrando de esa manera una Clotilde muy familiar y a la vez cariñosa, aunque un poco estricta debido a las obligaciones que tuvo que asumir durante todo el matrimonio, nunca se la consideró como una mujer altiva, ni clasista,  pese a haber sido la hija de un famoso fotógrafo, y la mujer de un famoso retratista, además de criarse  en el seno de la burguesía más exclusiva de la Valencia de su época.

Lo que sí me muestra una y otra vez y no solo en los escritos sino también con actos ese profundo amor que Clotilde sentía hacia Sorolla, uno de los actos más reconocidos fue la creación del museo de Sorolla y la donación del legado de este,  al estado, para que todo el mundo pudiera acceder a ver la maravillosa obra de su marido.

Un museo que se encuentra en la P.º del Gral. Martínez Campos, 37, Chamberí, 28010 Madrid, la cual fue una de las casas donde residieron, y en la que se encuentran la mayoría de obras, pruebas de color, y bocetos,además de algunos trabajos de sus descendientes y familiares, que también se donaron al museo.

Así  que si te interesa la obra de Sorolla no dudes en ir a visitar su museo y no te olvides de seguirme en Instagram para saber más cositas sobre arte  @sirablue

Un beso Sira.

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Matrimonio desigual

ninguna obra de temática tan triste ha catapultado tan rápido a su autor en su carrera artística; como en el caso Vasily Pukirev, que fue nombrado profesor honorario de la academia imperial de bellas artes, pocos mese después de presentar esta obra ante la sociedad.

matrimonio desigual

el oleo titulado: «matrimonio desigual» levanto muchas ampollas, en la sociedad rusa del siglo XVIII, ya que a pesar de que los matrimonio de conveniencia pasaron a ser una práctica común en esta época, se convirtió en un tema tabú, en las representaciones artísticas, tanto en el arte como en la literatura,o en la música; Siendo Pukirev el primer artista que se alejo de absolutamente todos los movimientos artísticos del momento, para crear este lienzo.

Además de incluirse a si mismo en ella, colocandose en el puesto del que seria el padrino de la boda, junto a la novia y con una mirada muy inquisitiva hacia el supuesto novio. Este acto deliberado tuvo un gran impacto en la comunidad artística,

Teniendo en cuenta las duras facciones  del rostro, la rigidez de la postura del cuerpo y  el notable envejecimiento del novio, en  contrate con el aspecto casi infantil de la novia y la visible desdicha reflejado en el rostro , ha llevado a la conclusión de mucho expertos de que Pukirev estuvo involucrado sentimentalmente con la novia del cuadro.

si bien nunca se supo quien era esta pareja, hay experto que dicen que ella fue su primer amor, mientras que otros plantean la teoría de  que pukirev pinto una escena de su pasado donde al igual que en el cuadro fue testigo del casamiento, siendo el amigo de este el amante de la novia, si me tuviera que decantar por alguna de estas dos lineas de rumores creo elegiría la del amante desdichado ¿ y tú ?¿con que terioria te quedas?

un beso Sira.

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Actualidad Literaria

Micro relato

hace miles de años, el mundo fue golpeado por un poderoso impulso,un grupo de  brujas, clamo a la tierra por un pacto de sangre; su clan habia sido diezmado y sabían que  no sobrevivirían  al invierno sin ningún guardián.

así que el 31 de octubre, en la hora de las brujas  empezaron el hechizo, sacrificarían la vida de una de las suyas a cambio de la protección que pudiera darles la tierra, pero algo no salió como se esperaba y al derramar las primeras gotas de sangre la tierra se desgarró, y de lo mas profundo de esa grieta una voz surgió:

no  aceptamos sacrificios, ni amarres, no somos esclavos, ni obedecemos ciegamente, solo aceptamos una union de sagrada , cada una de vosotras con cada uno de los nuestros deberán unirse en esta vida y en la siguiente .¿lo aceptáis?

Con el miedo recorriendo por su cuerpo y sin otras opciones una a una murmuró su aceptación, apareciendo en cada muñeca  una pulsera roja como la sangre y de cada una pendían abalorios diferentes:árboles, pájaros,búhos…

Mientras esto sucedía de la gruta surgió una figura que se presentó como Nathael , el primer guardian de la tierra.

….

Contrarios a la dinámica de los artistas sobre las brujas, que son representadas, cómo algo maligno, John Williams Waterhouse se interesó por las leyendas de las Wicca, e incluso llegó a representar algunos de sus rituales.

John williams waterhouse

Como podemos ver en el óleo el círculo mágico, la figura está rodeada de elementos que utilizarían las brujas, y sin embargo ninguno de estos elementos: el caldero, el círculo, o el fuego, son dibujados de forma aterradora sino que más bien llegan a transmitir cierta serenidad.

De esta obra se conservan dos versiones uno de tamaño monumental que está en el museo Tate Gallery, Londres (Reino Unido) y el otro de tamaño miniatura que se encuentra dentro de una colección particular.

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Arte y Diseño

Artemisia Gentileschi

Agresiones y transgresiones fueron un tema muy recurrente en esta artista barroca, siendo el asesinato de Judith una constante en toda su carrera, ya que ,creó hasta el momento, un total de seis versiones en oleo de esta conocida historia.

Donde el claroscuro, una clara influencia del artista Caravaggio, juega un papel importante a la hora de darle dramatismos a la escena, que junto con el desarrollo de las expresiones del rostros y las realistas posturas de los cuerpos de sus composiciones, hicieron de Artemisia una de las artistas mas destacados de su época.

clarooscuro: según la wikipedia es una técnica de dibujo y pintura (también aplicado a la escultura) que se basa en producir el efecto de contrastes entre la luz y las sombras

Gentileschi, consigue que no puedas dejar de mirar el oleo, por la historia que cuentan las figuras del cuadro, todo el dolor , la ira, la determinación, que reflejan cada aspecto de las obras, en los trazos, el las figuras…son en muchas ocasiones reflejo de los propios sentimientos y experiencias de la propia artista.

al ser hija de un artista, desde muy joven , estuvo en contacto con muchos mecenas, otros artistas ,literatos, y científicos de la época, por lo que pudo crear una gran red de contactos , esto le permitió conseguir muchos de los trabajos que realizo a lo largo de los años.

lucrezia

sin embargo su estilo pictórico, se desarrollo a raíz de varios eventos traumáticos, y es que la joven Artemisia, fue agredida y violada en su propia casa, por Agostino Tassi( su profesor),ante testigos y sin que estos hicieran nada al respecto.

una grave situación que empeoro, tras la denuncia del padre de artemisa a Agostino, pues se puso entela de juicio a Artemisa, siendo sometida a tortura durante el proceso(del cual se conserva el acta del juicio ). Tras la verificación de los hechos, el culpable solo fue expulsado de Roma , mientras que Artemisia, tuvo que aceptar un matrimonio por conveniencia .

Fruto del cual tuvo cinco hijos, lamentablemente solo una llegó a la mayoría de edad. Sin embargo su marido no fue el único hombre que pasó por su cama, pues recientemente se han descubierto cartas entre Artemisa, su marido, y su amante.

En el aspecto académico y social, Artemisa fue una de las primeras mujeres en ser aceptada en la academia del diseño de Florencia, y viajó por Florencia(evidentemente) , Venecia , Inglaterra y finalmente por Nápoles.

Donde, no se sabe muy bien como murió, pero se estima que fue sobre 1656, cuando Nápoles quedó prácticamente asolada por una plaga.

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3 de Mayo

3 de mayo

Todavía no ha salido el sol, y la humedad se filtra en mis huesos a través de la ropa, el murmullo de los rezos de quienes me acompañan, son el único sonido capaz de acallar el eco de los fusiles al amartillearse, y poco después llega  el desgarrador dolor que me acompaña hasta  el último aliento.»

Hace 207 años , Goya pintó los fusilamientos del 3 de Mayo. La represalia que tomo el ejército francés contra el levantamiento en armas del pueblo de la comunidad de Madrid el día anterior.

Todo un fracaso por parte del ejército, pues solo consiguió que los españoles se opusieran  aún que de forma discreta, fueron  implacables, y mientras a unos les desaparecían  hombres y materiales , a otros les aparecían en envenenados o en peores condiciones.

Incluso llegaron a  perder el apoyo de los afrancesados, artista e intelectuales que apoyaban la ideología de los Franceses, sin embargo no aceptaron los métodos utilizados, como es el caso de Goya

Que terminó pintando en dos obras el punto de inflexión de este conflicto; dejando atrás el estilo neoclásico, el autor se centra en el dramatismo de la escena.

Donde enfrenta el orden deshumanizado de los soldados franceses que cumplen órdenes haciendo caso omiso a su alrededor y al grupo de españoles que con el dolor y la desesperación pintada en cada uno de sus rasgos,esperan impotentes su ejecución

La obra está llena de detalles y personajes que sufrieron esa ejecución; como son los inocentes representado por el joven que con manos alzadas mira fijamente a quien lo ejecutará, o el sacerdote pintado a su izquierda que representa a Don Francisco Gallego y Dávila.

Como he dicho la obra tiene mil detalles que es mejor apreciar en vivo y en directo por lo que si vais a Madrid,no dejéis ir la oportunidad de visitar el Museo del Prado, donde encontrareis esta muchas más obras de Goya.

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San Mateo y el Ángel

¡Buenos días, Amores!

Durante la segunda guerra mundial, se destruyó «San Mateo y el Ángel«, un óleo original de Caravaggio.

La obra de estilo barroco, fue rechazado por humanizar a San Mateo mostrándolo alopécico y con los pies sucios. Caravaggio tuvo que pinta otra obra y la original fue adquirida por el mecenas Vizenzo Giustiani.

Con el paso del tiempo «San Mateo y el Ángel » fue cambiando de propietario hasta que en 1945 en el antiguo museo Kaiser Friedrich se incendió y del búnker donde estaba almacenada junto con otras obras no quedó nada.

por suerte la obra no está del todo pérdida, pues se conservan algunas fotografías de esta .

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MONA LISA

Mona Lisa Sira blue

Hace casi un siglo, Viccenzo Peruggia, entró, descolgó y se llevó a casa, una de las pinturas más conocidas del Louvre, “la Mona Lisa”, una obra de arte que estuvo desaparecida durante dos años.

Museo Louvre

Tal fue la virilidad de este evento, que la gente visitaba frecuentemente el museo para observar el hueco donde, en teoría tendría que estar colgada esta obra. Provocando que la “Gioconda” adquiriera mucha más notoriedad, cuando por fin reapareció.

Desde entonces Su fama ha ido aumentando con el paso de los años, convirtiéndose en una de las obras mas famosas y reconocidas del mundo, que incluso los que no saben de arte saben cuál es esta obra.

 El cuadro pintado con la técnica del sfumato, representa a Lisa Gherardini, una noble florentina perteneciente a la familia Gherardini, que estuvo casada con Francesco del Giocondo, un mercader de telas varios años mayor que ella.

*sfumato: técnica pictórica creada por da Vinci que proporciona un efecto vaporoso a la figura de la modelo

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Barba negra

Después de tantos años disfrutando del mar, el ron, y como no de la piratería fallece, el marinero Edward Teach, más conocido como el capitán Barba negra.

 Uno de los piratas, mas populares de la historia, fue abatido después de recibir 20 heridas de arma blanca, en este caso espadas, y 5 heridas de fuego en una batalla contra en teniente Robert Maynard, el cual fue enviado para acabar con la piratería de Carolina del norte

El artista Jean Leon Ferris, se inspiró en esta última batalla para crear en 1920, un óleo en honor a la vida y la muerte de este pirata del siglo XVI.

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¡Buenos días, Amores!

Después de una larga pausa, ¡ya estoy de vuelta! Con un nuevo post sobre arte, que espero disfrutéis.

Un beso Sira.

 DAVID Y GOLIAT

DAVID DE DONATELLO Sira Blue

Una de las familias mercantiles más destacadas de Italia, la familia Medici, revolucionó el mundo artístico con el primer desnudo que se realizó en siglos, la escultura del “David de Donatello”,

 Una magnifica pieza de metro y medio, que marcará el inicio del renacimiento.  En ella, vemos a un David engalanado con elementos clásicos, como la corona de hojas de amaranto, que le da un tinte de héroe griego a la figura y que se alza victorioso tras haber ganado a Goliat.

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¡Buenos días, Amores!

Comenzamos la semana, con un nuevo post del daily art, que espero disfrutéis con un delicioso almuerzo y un buen café.

La momia de la mala suerte

Los cuatro ladrones de tumbas de Tebas, entre los que se encontraba Thomas Douglas Murray, sufrieron una serie continuada de mala suerte, desde la sustracción de la preciosa cubierta de madera y yeso, de una alta sacerdotisa de Amón re.

La cubierta, contiene detalles muy distintivos que la hacen una pieza única; por ejemplo la extraña posición de las manos, mente ya que estas surgen horizontalmente desde su pecho con las palmas hacia afuera, de hacia dentro en vez de hacia dentro

la Momia de la mala suerte
Imagen de la posición de las manos

 Además, la figura de la mujer representada en la cubierta, pintada con colores muy vivos, portaba un amuleto en su cabeza en el que se podía leer: “DESPIERTA DE TU POSTRACIÓN Y EL RAYO DE TUS OJOS ANIQUILARA A TODOS AQUELLOS QUE QUIERAN APODERARSE DE TI”.

Y a pesar de no ser un rayo, la muerte, la pérdida de un brazo, la volatilización de la fortuna familiar o la postración a una cama por una extraña enfermedad fueron los castigos que les impuso, la sacerdotisa de Amón re, a estos cuatro hombres por sus malas acciones.

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