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Dayliart
La obra inspirada en una noticia de la época, donde podemos ver enmarcado por la arquitectura de los calabozos de las Torres de Quart ,como una niña de no más de doce años junto con su abuelo señala al que fue su agresor sexual, ante la apatía de los jueces … más
Receta
Desde que salió la película de Disney Ratatouille, quise probar la receta a la que se le da el nombre a este plato, y investigando un poco descubrí ,que si bien el origen del plato es francés ,en España tenemos nuestro propio variante que es el pisto.
Y aunque el pisto tengo que decir que está buenísimo, la verdad es que quería probar el plato francés que esta considerado como un buen plato de acompañamiento de carnes y pescados sobre todo en otoño y en primavera y poco pesado; así que he aprovechado estos días, en los que tuve algo de tiempo libre y no ha hecho tanto frio, para cocinar el platillo y el resultado no podía haber sido mejor. Así que os dejo aquí la receta para que podáis disfrutar de este platito en casa.
Novedades 2025 libros
Como dice el dicho de año nuevo…. libros nuevos !!!Y es que este 2025 viene cargadito de novedades literarias, de las cuales me gustaría contaros, sin embargo hay demasiados autores autopublicados , editoriales y libros, que están previstos para este año , que no lo podría hacer en un solo post, con lo cual me toca resumirlo un poquito, solo un poco….link
Una de esas brutalidades que, de tiempo en tiempo, realiza la bestia que el hombre lleva dentro para excretarlo, fueron las palabras que declaró el pintor Antonio fillol, en relación a su cuadro el sátiro.
La obra inspirada en una noticia de la época, donde podemos ver enmarcado por la arquitectura de los calabozos de las Torres de Quart ,como una niña de no más de doce años junto con su abuelo señala al que fue su agresor sexual, ante la apatía de los jueces .
En el lienzo podemos ver muy marcados los tres grupos, que se encuentran en la obra, por un lado tenemos a los jueces que están muy mimetizados con el fondo del lienzo casi conformando parte de la arquitectura, con aspectos imposibles ,incluso se podría decir que aburridos, por otro lado nos encontramos con la línea de acusados cuatro hombres adultos colocados en una fila, y justo enfrente tenemos a los protagonistas del lienzo, que son la víctima, agazapada y escondida tras su abuelo ,el cual podemos ver lleno de ira señala al acusado.
Lo que actualmente se considera una gran composición dentro de lo que sería el realismo social, por la forma en que fillol usa el pincel seco para dar una textura áspera a toda la escena, en su época, fue considerada una obra de arte y inmoral por el jurado de la exposición Nacional de Bellas artes de 1906.
Pincel seco es una técnica utilizada por los artistas en la que con un pincel seco con restos de pintura se realizarán las pinceladas sobre el lienzo , esto hace el resultado de la pincelada sea más tosca y con lo cual el aspecto del cuadro es más áspero.
los jueces unánimemente, declararon no hallar el estilo de la obra conforme al respeto y la decencia que se debe al público del certamen, además de no cumplir con los estándares establecido para que la obra fuese considerara bella o inspiradora (vamos que les pareció horrorosa y de mal gusto) y el lienzo se descarto del concurso junto con otras obras en las que parecían desnudos .
Tras este suceso fillol decidió guardó el lienzo en su hogar en Castellón, y durante más de ciento veinte años, ha sido conservada por la familia de este, por lo que el sátiro, ha estado expuesto muy pocas veces al público, o así había sido hasta que la familia de fillol vendió este lienzo al museo del Prado en Junio de 2023. Con estos museo del Prado, contaría ya con su séptimo lienzo de este autor y se mantiene en exposición permanente para aquellos que desean ver la obra en primer plano.
Así que si tenéis la oportunidad de ir al prado, no os olvidéis de este pintor valenciano, y si te ha gustado la historia de este cuadro y quieres más no olvides seguirme por aquí y por mis canales de Instagram @sirablue .
Y ahí de pie junto a la pared, estaba ella en una pose aparentemente inocente, pero no del todo, elegantemente vestida con el último grito de la moda parisina, con una sonrisa conocedora y un brillo travieso en los ojos.
Ahí estaba, la musa perfecta, la amante apasionada, la madre cariñosa, la niña divertida, en definitiva la mujer de la que Sorolla llevaba enamorado desde los 15 años.
Un pintor conocido por utilizar colores vibrantes y grandes contrastes en sus obras, y sin embargo en está, toda la escena queda en segundo plano; ni tonos vibrantes, ni objetos llamativos solo está clotilde ella, y nada más.
Clotilde vestido azul
Amores,
el año pasado fui a la exposición Sorolla en blanco y negro, y entre todos los cuadros allí expuestos, me llamó muchísimo la atención la imagen tan sencilla y a la vez tan llena de sentimiento como fue Clotilde vestida de azul.
Tal fue la impresión que quise saber más sobre la musa de este artista, curiosamente, la pareja se conoció a través Juan Antonio García castillo el hermano de Clotilde, cuando está tenía 15 años.
Y durante los cuarenta y cinco años, mes arriba mes abajo, en los que compartieron su vida, Clota como le gustaba llamar la Sorolla cariñosamente, fue un apoyo constante para el pintor, tanto en su vida familiar como profesional.
Pues era Clotilde quien se encargaba de la economía del hogar, del cuidado de la familia y de organizar los proyectos trabajos y exposiciones de su marido y también fue su modelo a veces anónima como en el cuadro desnudo de mujer otras no tanto como en el cuadro clotilde vestida de azul.
A pesar de la ambivalencia que sentía por las obras de su marido ya que le quitaban el tiempo que podían estar el uno con el otro, no podía negar la genialidad de sus obras como le dice en una de sus muchas cartas
Realmente es un rival terrible pues no te expondrías por mí lo que por la dichosa pintura te has expuesto,siendo lo más gracioso que no puedo ni debo quejarme sino desear que mientras vivas no pierdas esa ilusión, que es para ti el todo en este mundo.” Clotilde a Sorolla, Madrid, 27 de noviembre de 1918.– archivo del museo Sorolla
Y era en esas cartas, las que acortaban la distancia cuando matrimonio tenía que pasar largos periodos de tiempo separados, bien por los trabajos o exposiciones que mantenían a Sorolla en el extranjero, o bien por las obligaciones de Clotilde para con sus hijos, cuando estaban enfermos.; en ellas hablaban de su día a día de su trabajo, de su familia casi siempre había palabra para sus hijos, pero sobre todo escribían de lo mucho que se extrañaban.
Dejando entrever muchos de los rasgos y del carácter de este matrimonio tan famoso y a la vez tan discreto, mostrando de esa manera una Clotilde muy familiar y a la vez cariñosa, aunque un poco estricta debido a las obligaciones que tuvo que asumir durante todo el matrimonio, nunca se la consideró como una mujer altiva, ni clasista, pese a haber sido la hija de un famoso fotógrafo, y la mujer de un famoso retratista, además de criarse en el seno de la burguesía más exclusiva de la Valencia de su época.
Lo que sí me muestra una y otra vez y no solo en los escritos sino también con actos ese profundo amor que Clotilde sentía hacia Sorolla, uno de los actos más reconocidos fue la creación del museo de Sorolla y la donación del legado de este, al estado, para que todo el mundo pudiera acceder a ver la maravillosa obra de su marido.
Un museo que se encuentra en la P.º del Gral. Martínez Campos, 37, Chamberí, 28010 Madrid, la cual fue una de las casas donde residieron, y en la que se encuentran la mayoría de obras, pruebas de color, y bocetos,además de algunos trabajos de sus descendientes y familiares, que también se donaron al museo.
Así que si te interesa la obra de Sorolla no dudes en ir a visitar su museo y no te olvides de seguirme en Instagram para saber más cositas sobre arte @sirablue
Durante el siglo XIX se puso de moda la corriente artística impresionista en la que el autor trataba de pintar el reflejo de la luz en un momento exacto, muchas veces sin preocuparse tanto de definir completamente los objetos tocados por esta.
Obras impresionistas de Monet, Volges, y Renoir
ya que los artistas pintaban al aire libre, el tiempo en el que podían trabajar era muy limitado , y no lo podian perden buscando la mezcla de colores perfecta, por lo empezaron a usar mezclas de pintura ya hechas, solo las tenian que aplicar sobre el lienzo. Entre los muchos colores que se pusieron a la venta hubo un color que destaco ampliamente , el verde París .
un intenso tono verde que aparecía en practicamente todas las obras impresionistas del momento, y que inevitablemente eso hizo que se pusiera de moda; todos querian tener una prenda de ese color ya fuera en vestidos, cojines, tapicerías….El problema vino pocos mese despues cuando empezaron haber casos de intoxicación algunos de los cuales fueron muy graves y no sobrevivieron, sin embargo los pacientes no tenian nada en comun ni la edad, ni el trabajo, ni el rango social.
Nadie sabia como niños,ancianos, ricos y pobres en la ciudad y en los pueblos se habían intoxicado practicamente al mismo tiempo , hasta el doctor Thomas Orton que junto con otros compañeros descubrieron la razón. Resulta que uno de los principales componentes del verde paris es el arsenico; está sustancia es muy reactiva con la humedad del ambiente lo que puede llegar a ser letal si se inhalaba durante largos periodos de tiempo, y puesto que se encontraba en los vestidos y tejidos de las casa este contacto no era difícil que se produjera.
Tras identificar la causa y solucionar el problema quitando ese tinte de las casa y manteniendo un estricto control de la temperatura y la humedad de los museos, galerías de arte….ya no hubo más casos de intoxicación o eran casos muy aislados y muy raros.
Sin embargo el verde París no se retiró del mercado, es más hoy en día los artistas con un permiso especial lo pueden seguir utilizando en sus obras. Y por lo visto es un mercado que está en alza en los últimos años sobre todo entre millonarios.
ninguna obra de temática tan triste ha catapultado tan rápido a su autor en su carrera artística; como en el caso Vasily Pukirev, que fue nombrado profesor honorario de la academia imperial de bellas artes, pocos mese después de presentar esta obra ante la sociedad.
el oleo titulado: «matrimonio desigual» levanto muchas ampollas, en la sociedad rusa del siglo XVIII, ya que a pesar de que los matrimonio de conveniencia pasaron a ser una práctica común en esta época, se convirtió en un tema tabú, en las representaciones artísticas, tanto en el arte como en la literatura,o en la música; Siendo Pukirev el primer artista que se alejo de absolutamente todos los movimientos artísticos del momento, para crear este lienzo.
Además de incluirse a si mismo en ella, colocandose en el puesto del que seria el padrino de la boda, junto a la novia y con una mirada muy inquisitiva hacia el supuesto novio. Este acto deliberado tuvo un gran impacto en la comunidad artística,
Teniendo en cuenta las duras facciones del rostro, la rigidez de la postura del cuerpo y el notable envejecimiento del novio, en contrate con el aspecto casi infantil de la novia y la visible desdicha reflejado en el rostro , ha llevado a la conclusión de mucho expertos de que Pukirev estuvo involucrado sentimentalmente con la novia del cuadro.
si bien nunca se supo quien era esta pareja, hay experto que dicen que ella fue su primer amor, mientras que otros plantean la teoría de que pukirev pinto una escena de su pasado donde al igual que en el cuadro fue testigo del casamiento, siendo el amigo de este el amante de la novia, si me tuviera que decantar por alguna de estas dos lineas de rumores creo elegiría la del amante desdichado ¿ y tú ?¿con que terioria te quedas?
En esas horas de la noche, cuando los astros se esconden y el sol sale, los troyanos descubrieron ante las puertas de la ciudad cientos de banderas blancas, que rodeaban a un caballos de madera, ofrecido por los griegos como símbolo de paz.
Un regalo que ninguno dudo en aceptar, excepto el sacerdote de Apolo, Laocoonte, que supo nada más ver la figura que algo escondía, por eso intento explicar, razonar y convencer a los soldados de que no era buena idea aceptar ese regalo.
Sin embargo nadie le hizo caso y en un arrebato de ira y gritando la famosa frase » Timeo Danaos et dona ferentes » , decidido que él quemaría el caballo, en el mismo instante en que lanzó el primer fuego, dos serpientes fueron embaucados por Atenea para atacar a los hijos de Laocoonte que jugaban junto al mar.
Cuando el sacerdote, escuchó los agónicos gritos de sus hijos: Antifate y Timbreo se lanzó a su rescate dejando atrás el regalo de los griegos.
A pesar de la buena voluntad del sacerdote, por salvar a sus hijos ,ninguno de los tres sobrevivió al ataque de la serpientes, y todos sabemos cómo acabaron los troyanos con el regalo de los griegos.
…
Sin autor, ni año de creación el museo Pío- Clemente conserva una escultura de 2,42 metros de altura que representa la lucha de Laooconte y de sus hijos contra las serpientes.
Considerada el prototipo de la agonía humana, la escultura transmite este sentimiento en cada parte del cuerpo y en las antinaturales expresiones de los rostro de Laooconte, Antifate y Timbreo.
Su composición piramidal hace que el impacto al ver las culturas sea mayor al ver la figura principal (el sacerdote), mucho más grande que la de sus hijos, aunque eso es también debido a que el período helenístico que fue cuando fueron tallados los artistas no esculpián a adolescentes ni a jóvenes por lo que sus rasgos faciales y características son de dos personas adultas pero en el tamaño de un adolescente.
La obra fue descubierta en 1506,cerca de la basílica papal de Santa María la mayor;y evaluada por Miguel Ángel y Giuliano da Sangallo, quienes lo identificaron como la escultura que describió plinio el viejo en sus manuscritos, tras visitar el palacio del emperador Tito.
Aunque la obra original se encuentra en el museo Pío Clemente, en el Vaticano, existe una copia de la obra en la ciudad de manheim la cual incorpora las partes que faltan en la escultura original.
Agresiones y transgresiones fueron un tema muy recurrente en esta artista barroca, siendo el asesinato de Judith una constante en toda su carrera, ya que ,creó hasta el momento, un total de seis versiones en oleo de esta conocida historia.
Donde el claroscuro, una clara influencia del artista Caravaggio, juega un papel importante a la hora de darle dramatismos a la escena, que junto con el desarrollo de las expresiones del rostros y las realistas posturas de los cuerpos de sus composiciones, hicieron de Artemisia una de las artistas mas destacados de su época.
clarooscuro: según la wikipedia es una técnica de dibujo y pintura (también aplicado a la escultura) que se basa en producir el efecto de contrastes entre la luz y las sombras
Gentileschi, consigue que no puedas dejar de mirar el oleo, por la historia que cuentan las figuras del cuadro, todo el dolor , la ira, la determinación, que reflejan cada aspecto de las obras, en los trazos, el las figuras…son en muchas ocasiones reflejo de los propios sentimientos y experiencias de la propia artista.
al ser hija de un artista, desde muy joven , estuvo en contacto con muchos mecenas, otros artistas ,literatos, y científicos de la época, por lo que pudo crear una gran red de contactos , esto le permitió conseguir muchos de los trabajos que realizo a lo largo de los años.
sin embargo su estilo pictórico, se desarrollo a raíz de varios eventos traumáticos, y es que la joven Artemisia, fue agredida y violada en su propia casa, por Agostino Tassi( su profesor),ante testigos y sin que estos hicieran nada al respecto.
una grave situación que empeoro, tras la denuncia del padre de artemisa a Agostino, pues se puso entela de juicio a Artemisa, siendo sometida a tortura durante el proceso(del cual se conserva el acta del juicio ). Tras la verificación de los hechos, el culpable solo fue expulsado de Roma , mientras que Artemisia, tuvo que aceptar un matrimonio por conveniencia .
Fruto del cual tuvo cinco hijos, lamentablemente solo una llegó a la mayoría de edad. Sin embargo su marido no fue el único hombre que pasó por su cama, pues recientemente se han descubierto cartas entre Artemisa, su marido, y su amante.
En el aspecto académico y social, Artemisa fue una de las primeras mujeres en ser aceptada en la academia del diseño de Florencia, y viajó por Florencia(evidentemente) , Venecia , Inglaterra y finalmente por Nápoles.
Donde, no se sabe muy bien como murió, pero se estima que fue sobre 1656, cuando Nápoles quedó prácticamente asolada por una plaga.
Desde su algodonoso trono, en la cima de la cielos Artemisa observa a quien le entregará la brújula de Galileo, quién será la persona capaz de enfrentarse al escarnio público, la tortura, o el sobrevivir a todos tus hijos, sin dejar de lado aquello que disfruta y le es natural.
La obra original de Artemisa Gentileschi, fue encargada por Miguel Ángel Buonarroti el joven y modificada por orden Lionardo buonarroti, añadiendo velos a la figura de la mujer desnuda 30 años después de su creación .
Una desnudez tanto retórica como figurada , pues las figura representada, no llevaba absoluta nada artificial , ya que trata de representar la desnudez de los artistas al exponer cualquiera de sus obra .
En la actualidad se está llevando a cabo un proyecto que trata de restaurar la obra original, es decir sin los velos, algo prácticamente imposible pues la pintura, está demasiado unida al lienzo.
Sin embargo si se va a poder ver, la figura escondida detrás de estos velos de forma más nítida, un proceso que está abierto a todos los públicos, que se puede visitar.
Un dato curioso de la obra es que la brújula que porta Aartemisa, es la brújula de Galileo Galilei, el cual era conocido de la autora
Y ahí está Han, en mitad de unas sala del museo,con su eterno compañero, un reloj de bolsillo, que la regalaron por su cumpleaños, mientras miraba fascinado el baile de mouline Rouge
Lo que no muchos sabían, era que a Han poco le interesaba el arte y los pocos que lo conocían suponían que lo que hacia era buscarse a si mismo el en fondo del cuadro, una figura casi borrosa que se fundía con el fondo de la obra.
Sin embargo estaban equivocados , lo que realmente buscaba Han,era a la única persona de la que se arrepintió de dejar atrás; Monique, una Vibrante bailarina, de cabellos rojizos, con su sempiterna sonrisa, y un talento natural a los pequeños hurtos, un reloj por aquí, un collar por allá…
Nadie la igualó, ni superó su forma de ser, de reírse o de moverse en una pista de baile, para él, Monique se convirtió en la llama de una vela, en un anoche oscura un lugar al que volver en tiempos difíciles, un refugio para su alma y un hogar para su corazon.
Y sin embargo tomo la decisión, la dejo marchar y para eso ya no había vuelta atrás ,pues lo único que queda de ella y de su historia es la imagen en ese retrato, que solo el sabía lo que significa y el secreto que escondía aquel famoso cuadro.
Y mientras su mente se ocupaba de esos nostálgicos recuerdo , escucho el apresurado taconeo de su ayudante, una joven morena con el mismo carácter que su tatarabuelo, y un estricto método de organización, que me impedía llegar más de dos minutos tarde a cualquier sitio.
-Sr. Han , el museo va a cerrá y nos tenemos que marchar,le aviso la joven leah, mientas Han le echaba ún último vistazo al cuadro,antes de salir por la puerta
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El autor Toulouse-Lautrec muestra ,el conocido cabaret parisino (fundado por Josep Oller y Charles Zidler), donde el famoso bailarín Valentin-le-Désossé está impartiendo clases a el nuevo grupo de baile que se incorporaba a este cabaret.
Mientras son observados por un grupo de amigos y conocidos del autor, sobretodo pintores y fotógrafos de la época, además de por una no muy discreta cortesana y por una curiosa pareja, pues el caballero mantiene su rostro oculto detrás de una máscara en forma de calavera y ella destaca por su rojo cabello.
Toda la escena y casi todos los personajes reflejados en el óleo han sido identificados y estudiados por diversos expertos con los años, e incluso encontraron una inscripción en el dorso de la obra que decía «Dressage des nouvelles par Valentin le Désossé» (Instrucción de los nuevos por Valentín el Deshuesado) y que marca la intención del autor al pintar está escena.
sira blue 
